Die Preisträger

Dirigent und langjähriger GMD der Deutschen Oper am Rhein

Er ist zwar ein Berliner Junge. Die „Berliner Schnauze“ sucht man bei ihm jedoch vergebens. Hans Wallat redet nicht gern und nicht viel. Er steht auch nicht gern im Rampenlicht. Zum glamourösen Pult-Star hat er es deshalb auch nie gebracht und nie bringen wollen. Und das, obwohl sich sein Name von Wien bis New York bei Künstlern, Intendanten und nicht zuletzt beim Publikum höchster Wertschätzung erfreut. Es gibt keinen anderen deutschen Dirigenten seines Rangs, der, außerhalb seiner (stattlichen) Fangemeinde, als Person so unbekannt geblieben ist wie Hans Wallat. Und daran hat sich auch an seinem 80. Geburtstag im letzten Jahr nichts geändert. Wallat blieb immer lieber in der „Versenkung“, seinem Lieblingsplatz im Theater, wo er im Orchestergraben die Fäden fest und unsichtbar ‚in Händen halten konnte und sich am Wohlsten fühlte.

„Mehr sein als scheinen“: Diese preußische Tugend wurde zum Lebensmotto des Ost-Berliners, der sich seine Karriere nach einem gründlichen Studium in Schwerin und einer knochenharten Ochsentour durch die Provinz bis zu den Lorbeeren der Metropolitan Opera und der Wiener Staatsoper Schritt für Schritt erarbeitete. Seine ersten Stationen: Stendal, Meiningen, Schwerin, Cottbus und bis 1961 Leipzig. Mit dem Mauerbau siedelte er nach Westdeutschland um. Kapellmeistertätigkeiten in Stuttgart und Berlin gingen seiner ersten Position als Generalmusikdirektor in Bremen voraus. In gleicher Funktion arbeitete er dann in Mannheim, Dortmund, Hamburg und, von 1986 bis 1995, an der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf/Duisburg. Daneben gastierte er in Bayreuth, New York und immer wieder an der Wiener Staatsoper. Sein Herz schlägt für die deutsche Oper des 19. und 20. Jahrhunderts.

Als Wagner-Dirigent mit profunder Werkkenntnis, unschätzbarer Erfahrung und perfektem handwerklichem Rüstzeug war er überall begehrt. Aber auch Randbereiche der Wagner-Nachfolge, etwa Schreker und Pfitzner, waren bei ihm gut aufgehoben. Und seine enge Zusammenarbeit mit Kurt Horres brachte ihn immer wieder mit dem kürzlich verstorbenen Komponisten Giselher Klebe in Verbindung, dessen komplettes Opernschaffen er nicht nur in Darmstadt und Düsseldorf/Duisburg aus der Taufe hob und liebevoll pflegte.

Kaum ein Träger des Duisburger Musikpreises ist in der Stadt so oft aufgetreten wie Hans Wallat. Und zwar nicht nur im Theater, sondern auch in der (alten) Mercatorhalle. Wagner-Galas, Benefiz-Konzerte und städtische Konzerte mit den Duisburger Philharmonikern: Hans Wallat trat gern hier auf. Neben spätromantischen Heroen wie Bruckner und Richard Strauss auch mit von ihm ungewohnten Beiträgen von  Haydn, Tschaikowsky („Rokoko-Variationen“) und Schostakowitsch. Und jetzt darf es auch verraten werden. Auf die Frage, ob es ein Werk gebe, das er überhaupt nicht leiden kann, antwortete er leise: „Ich wage es hier am Rhein gar nicht zu sagen. Aber mit der ‚Rheinischen’ von Schumann kann ich nichts anfangen.“

Pedro Obiera

* 5.1.1931

„Psychologie des Herzens“ – so charakterisiert der Musikjournalist Joachim Kaiser die großartige Klavierkunst Alfred Brendels, in der sich Intellekt und Intuition auf einzigartige Weise verbinden. Der österreichische Pianist, Essayist und Lyriker erhält den Musikpreis der Stadt Duisburg 2009.

Ein leicht skurriles Gedankenspiel stellte im März 2009 die Frankfurter Allgemeine Zeitung an: „Welch inspirierende musikalische Analysen hätte man von Alfred Brendel als Professor für Musikwissenschaft in Harvard erwarten können, wäre er nicht bis vor kurzem doch viel lieber als Pianist in den Konzertsälen der Welt unterwegs gewesen.“

Nun wird sich kein Musikfreund ernsthaft wünschen, dass Alfred Brendel einen anderen Lebensweg eingeschlagen hätte als den, der ihn zu einem der größten Interpreten klassischer Musik im 20. Jahrhundert gemacht hat. Aber ganz so abwegig ist die Spekulation trotzdem nicht. Schließlich kennt man Alfred Brendel nicht nur als bezwingenden und überwältigenden Klangredner am Klavier, er hat auch stets die „Musik beim Wort genommen“ – so der Titel eines seiner erfolgreichsten Bücher. Der unbestechliche Sinn für Pointen und Nuancen, die Fähigkeit, in der kleinsten Geste das Große und Ganze zu erfassen, prägen sein Spiel ebenso wie sein umfangreiches literarisches Werk.

Alfred Brendel entstammt einer österreichisch-deutsch-italienisch-slawischen Familie. Er kommt 1931 im mährischen Wiesenberg zur Welt, studiert Klavier, Komposition und Dirigieren in Zagreb und Graz und beschließt seine Klavierstudien bei Edwin Fischer. Brendels internationale Karriere beginnt 1949 mit einem Preis beim renommierten Busoni-Wettbewerb in Bozen. Als Interpret der Wiener Klassiker erlangt er Weltruhm; er rehabilitiert die lange vernachlässigten Klaviersonaten Franz Schuberts, indem er „einen Sonatenkosmos in einen Schicksalszusammenhang umdeutet“ (Joachim Kaiser).

Aber Alfred Brendel ist nicht nur ein subtiler pianistischer Poet, ein überlegener Architekt musikalischer Struktur, er ist auch – was gelegentlich übersehen wird – ein hinreißend vitaler Virtuose, der Liszts h-Moll-Sonate oder Modest Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ zu eindrucksvoll aufragenden Klangfresken formt.

Über mehr als fünf Jahrzehnte hinweg hat Alfred Brendel auf den bedeutendsten Podien der Welt Triumphe gefeiert, als er im Dezember 2008 seine aktive Pianistenlaufbahn beendet. Nicht erst seitdem widmet er sich mit großem Erfolg seiner literarischen Tätigkeit, schreibt Essays und Gedichte, deren sprachliche Eleganz und hintergründiger Humor weit über die musikalische Welt hinaus für Begeisterung sorgen.

Homepage von Alfred Brendel

Als die Tänzerin und Choreographin Pina Bausch 1973 dem Ruf des damaligen Wuppertaler Generalintendanten Arno Wüstenhöfer folgte, das Ballett der Städtischen Bühnen zu übernehmen, da ahnte niemand die Folgen. Sie kamen einem künstlerischen Erdbeben gleich, denn Pina Bausch hat den Tanz im 20. Jahrhundert revolutioniert.

Pina Bausch kam aus Essen nach Wuppertal. Sie leitete dort das Folkwang-Tanzstudio. Das war kein unbekannter Ort für sie, denn bereits mit 14 Jahren war sie – in Solingen geboren – zum Tanzstudium nach Essen an die Folkwangschule gegangen. Entscheidend war dort die Begegnung mit ihrem Lehrer Kurt Jooss. Er war Mitbegründer dieser Schule und einer der ganz großen Choreographen. Ein Mann mit Herzenswärme und Humor und einem großen Wissen. Pina Bausch hat von ihm für ihr Leben gelernt. Die Folkwangschule war ein Ort, an dem alle Künste unter einem Dach waren. Nicht nur die darstellenden Künste wie Oper, Schauspiel, Musik, Tanz, sondern auch die Malerei, Bildhauerei, Fotografie, Grafik, Design. Das Besondere am Studium in dieser Schule: Jeder hatte Interesse an der Arbeit des anderen. Es entstanden viele gemeinsame Projekte. Für Pina Bausch eine wichtige Zeit.

Durch ein Stipendium des DAAD kam Pina Bausch mit 18 Jahren nach New York. Sie studierte an der berühmten Juilliard School of Music bei Lehrern wie Antony Tudor, José Limón, Alfredo Corvino, Margarete Craske oder Donya Feuer. Sie tanzte an der Metropolitan Opera, kurz nachdem die Callas dort weggegangen war. In dieser aufregenden Stadt wäre Pina Bausch gern geblieben. Aber nach zwei Jahren kam ein Anruf von Kurt Jooss. Sie möge doch bitte nach Essen zurückkommen. Er brauche sie. Ein großer Konflikt – Pina Bausch kehrte nach Essen zurück. Wurde Assistentin von Jooss, tanzte in seinen Stücken, begann, eigene Choreographien zu machen und übernahm nach seinem Weggang das Folkwang-Tanzstudio.

Die ersten Arbeiten in Wuppertal hielten sich noch im traditionellen Rahmen und an literarische und musikalische Vorlagen, Gluck, Brecht, Weill, „Iphigenie“, „Orpheus und Euridyke“, „Die sieben Todsünden“. Aber schon hier, spätestens aber bei Strawinskys „Frühlingsopfer“ war zu sehen und zu spüren, dass sich da bei Pina Bausch etwas Neues tat, dass sie die existentiellen Themen Liebe und Tod mit ungewöhnlich archaischer Kraft und visionären Bildern anfüllte.

Das Neue entwickelte sich Schritt für Schritt. Mit einer neuen, ganz offenen Arbeitsweise des „Fragens“, oft bis weit in die Kindheit zurück, wuchsen Stücke ohne Vorlage, Stücke, die viele kleine Geschichten erzählten von Liebe und Zärtlichkeit, Angst, Enttäuschung, Hoffnung, Sehnsucht. Die Tänzer tanzten nicht nur, sondern rannten, sprangen, schrieen, lachten, weinten, erzählten Witze, absurde Geschichten, stellten Fragen. Es entwickelte sich eine neue Körpersprache, die auch auf Schauspielregisseure großen Einfluss hatte. Es entstand ein ganz neues Theater: das Tanztheater Wuppertal. Bis zu seinem frühen Tod 1980 entwarf Rolf Borzik die Bühnenbilder und Kostüme. Danach, bis heute, übernahm Peter Pabst die künstlerische Ausstattung.

1986 kam es zu einer Zusammenarbeit mit dem Teatro Argentina in Rom – „Viktor“ hieß das Stück, und es war der Beginn von vielen Koproduktionen, die aus der Begegnung mit anderen Kulturen – u.a. Hongkong, Brasilien, Japan, Budapest, Palermo, Istanbul – entstanden sind. Über 40 Stücke hat Pina Bausch in Wuppertal herausgebracht. Fast alle werden immer wieder aufgenommen, zum Teil mit neuen Tänzern neu einstudiert. So bleibt das gesamte Repertoire lebendig.

Seit vielen Jahren feiert Pina Bausch und das Tanztheater Wuppertal in aller Welt Triumphe. Die Choreographin selbst wurde mit allen wichtigen nationalen und internationalen Tanz,- Kultur- und Staatspreisen geehrt.

Überblickt man sein Lebenswerk, wundert man sich, dass er „erst” 82 Jahre alt ist. Obwohl er sich vor 15 Jahren ohne Rummel als Sänger aus der Musikwelt verabschiedete, tanzte Dietrich Fischer-Dieskau bis vor kurzem und teilweise heute noch auf vielen Hochzeiten der Musikszene: Als Dirigent, Buchautor, Lehrer, viel gefragter Rezitator und nicht zuletzt als Maler mit bisher an die 30 Ausstellungen von Köln bis Tokio. An Universalität führt Dietrich Fischer-Dieskau die Rangliste deutscher Künstler unangefochten an. Und das betrifft auch sein unüberschaubar weit gefächertes Repertoire als Opern-, Oratorien- und vor allem Liedersänger. Fachgrenzen kannte und kennt Fischer-Dieskau bis heute nicht. Ob Rigoletto oder Wotan, Wozzeck oder Glucks Orfeo. Fischer-Dieskau sang alles, was die weite Tessitura seines Baritons erfassen konnte. Die von Monika Wolf erstellte Liste aller von ihm existierenden Tonaufnahmen füllt 539 Buchseiten.

Die beispiellose internationale Reputation des Sängers ist nicht allein seiner künstlerischen Intelligenz oder der Nobilität und technischen Perfektion seiner Stimme zu verdanken, auch nicht seinem feldzugartigen Einsatz für das bis dahin vernachlässigte Klavierlied von Haydn bis zur Gegenwart. 1947 begann seine professionelle Karriere, als er in Badenweiler ohne Probe in Brahms „Deutschem Requiem” einsprang. Der 22-jährige kehrte erst kurz zuvor aus amerikanischer Kriegsgefangenschaft zurück. In der tristen Umgebung des Gefangenenlagers gelang es ihm, den Amerikanern mit seinem Gesang das Bild eines „anderen” Deutschen zu vermitteln, der sich Goethe und Beethoven und nicht Hitler verbunden fühlt. Fischer-Dieskaus Verdienste um die Reputation Deutschlands als Kulturnation sind mindestens so hoch einzuschätzen wie seine musikalischen Leistungen. Der Sohn eines Berliner Altphilologen brachte alles mit, was ihn zum unbefleckten „Saubermann” des Nachkriegs-Deutschlands prädestinierte. Als Abiturient zum Kriegsdienst eingezogen, haftete ihm kein ideologischer oder parteipolitischer Ballast an. Allüren und Skandale sucht man bei ihm vergebens. Und so konnte es Benjamin Britten 1951 wagen, für die Uraufführung seines denkwürdigen „War Requiems” wenigstens einen deutschen Künstler zu engagieren, nämlich Dietrich Fischer-Dieskau.

So global Fischer-Dieskau seine intelligent deklamierende Vortragskunst exportierte; die Deutsche Oper Berlin und die Bayerische Staatsoper in München blieben über vier Jahrzehnte seine stabilsten Säulen im Opernbetrieb. Und das, obwohl er als Wolfram in Bayreuth, als Falstaff in Wien (unter Bernstein), als Wotan und Mozart-Bariton in Salzburg sowie als Rigoletto in Mailand Triumphe in Serie feierte. Seiner Geburtsstadt Berlin blieb er bis heute treu. Dort schrieb er seine bislang an die 20 Bücher über Debussy, Nietzsche, Wolf, Schubert und Brahms. Obwohl er heute mit der Sängerin Julia Varady in vierter Ehe lebt, sorgte sein Privatleben niemals für knallige Schlagzeilen. Seine drei Söhne aus erster Ehe mit der früh verstorbenen Cellistin Irmgard Poppen schlugen allesamt mit Erfolg künstlerisch-musikalische Laufbahnen ein.

In manchem Gespräch wundert sich Michael Gielen selbst über seine erfolgreiche Karriere. Dabei konnte er sich der Rolle eines „Außenseiters“ nie ganz entziehen. Doch erklärt gerade die Kompromisslosigkeit, mit der er diese Bestimmung angenommen und künstlerisch verwertet hat, seine ungewöhnliche Entwicklung. Wenigstens zum Teil. Widerstände gegen seine künstlerischen Vorstellungen sind ihm sehr lange treu geblieben, ebenso jedoch der Respekt seiner „Gegner“ und die Bewunderung seiner Freunde und Förderer.

1927 in Dresden als Sohn eines bekannten Theaterregisseurs und einer jüdischen Schauspielerin geboren, zwang die NS-Rassenpolitik die Familie zu einer Flucht um den halben Globus. Nach Stationen in Berlin und Wien bot Buenos Aires der Familie nicht nur Asyl, sondern stellte sich auch als entscheidende Schaltstelle für das musikalische Verständnis des kleinen Michael Andreas heraus. Hier traf man auf zahlreiche Emigranten vor allem aus dem Bekanntenkreis Schönbergs. Hier fand Gielens besonderes Interesse für die Neue Musik seinen Nährboden. Damit begann die sonderbare Karriere eines Dirigenten, der sich nicht spätromantischen Traditionen verpflichtet fühlte, sondern seinen Zugang zur Musikgeschichte aus der Musik des 20. Jahrhunderts heraus rückwirkend erarbeitete. Wobei ihm persönlich die doktrinäre Trennung zwischen Alter und Neuer Musik zeitlebens suspekt geblieben ist.

Gielens stark analytischer, gleichwohl nicht gefühlskalter Zugang zur Musik schlug sich bei ihm auch in der Betrachtung des klassisch-romantischen Repertoires nieder. Seine Beethoven-Interpretationen mit seinerzeit ungewohnt schnellen und unpathetischen Tempo- und Klangvorstellungen stellten verwurzelte Interpretationsmodelle in Frage, noch bevor Harnoncourt und andere Spezialisten Alter Musik ähnliche Wege einschlugen.

Nach der Rückkehr aus Südamerika wirkte Gielen u.a. an den Opern von Wien, Kopenhagen und Amsterdam. Neben internationalen Verpflichtungen, u.a. in Cincinnati und bei der BBC in London, nahmen seine Leitungspositionen an der Frankfurter Oper und beim SWR Sinfonieorchester zentrale Stellungen in seiner Biografie ein. Von 1977 bis 1987 trug er wesentlich dazu bei, dass die Frankfurter Oper mit Regisseuren wie Ruth Berghaus, Hans Neuenfels oder Volker Schlöndorff nicht nur für Schlagzeilen sorgte, sondern auch für außergewöhnlich innovative Impulse. Durch die Übernahme des SWR Sinfonieorchesters 1986 konnte er sich ein besonders breites Konzertrepertoire erarbeiten. Die seit einigen Jahren veröffentlichten Aufnahmen aus dieser Ära dokumentieren die Vielseitigkeit und die spannenden Interpretationsansätze des Künstlers.

Auch wenn seine Kompositionen einen quantitativ eher bescheidenen Raum in seinem Wirken einnehmen und dennoch nicht unterschätzt werden sollten, bleibt der Name Gielen nicht zuletzt als Geburtshelfer epochaler Werke des 20. Jahrhunderts präsent. Erinnert sei an Bernd Alois Zimmermanns Oper „Die Soldaten“ und dessen „Requiem für einen jungen Dichter“, an Ligetis „Requiem“, an Stockhausens „Gruppen“ und an seinen Einsatz für Schönbergs „Moses und Aron“.

Dabei steht er der zeitgenössischen Musik durchaus nicht unkritisch gegenüber. Zwei Komponisten stehen ihm jedoch besonders nahe: Bernd Alois Zimmermann und Helmut Lachenmann. Große und kompromisslose „Außenseiter“ wie unser Preisträger.

Mit Tan Dun ehrt der Musikpreis der Stadt Duisburg den im Westen bekanntesten Komponisten Chinas. Der 1957 in Simao / China geborene Künstler hat sich besonders vielfältig und originell mit interkulturellen Beziehungen zwischen der westlichen Welt und dem Fernen Osten beschäftigt. Ob in seiner Oper „Marco Polo“ oder in seiner mit einem Oscar ausgezeichneten Musik zum Film „Tiger & Dragon“: Tan Dun strebt weniger eine Vermischung der Stile an als vielmehr das Verständnis für deren Unterschiede zu schärfen.

Für Aufsehen sorgte Tan Dun auch mit seinem neuesten Werk, der Komposition „Secret Land“ für die Berliner Philharmoniker, die unter der Leitung von Simon Rattle im letzten Jahr uraufgeführt wurde. Nach seiner zweiten Oper, die von der Metropolitan Opera New York in Auftrag gegeben wurde un im Dezember 2006 unter der Leitung von James Levine uraufgeführt werden soll.

In Duisburg ist Tan Dun vor fünf Jahren mit der spektakulären Europäischen Erstaufführung seines multimedialen Werks „Orchestral Theatre IV: The Gate“ hervorgetreten. Ein aufwendiges Werk für „Sopran, Peking-Opern-Mimin, Puppenspielerin, Video-Installation und Orchester“, das kulturelle Erfahrungen aus dem Westen, aus China und Japan in sich vereinigt, ohne sie zu vermischen. Ein ehrgeiziges Projekt der Duisburger Philharmoniker, das nicht nur beim Publikum einen tiefen Eindruck hinterließ, sondern auch auf großes überregionales Interesse stieß. Die vier „Orchestral Theatres“ gehören neben den Opern und früheren „Nine Songs“ für 20 Sänger, neun Spieler und einen Dirigenten (1989) zu den zentralen Werkblöcken des Komponisten und dokumentieren eine immer größere Öffnung zu mulimedialen Ausdrucksformen.

Seine frühe Prägung durch die Begegnung mit ritueller Musik seiner Heimat und insbesondere der Peking-Oper schlägt sich in vielfältiger Weise in seinem Werk nieder. Einschneidend wirkte sich der Einbruch der Kulturrevolution auf die Biografie Tan Duns aus, die er zeitweise in einem Umerziehungslager auf Reisfeldern verbracht, was seine Neugier auf die traditionelle Musik Chinas und neue Töne des Westens jedoch nur verstärkte. Eine Neugier, die er anschließend bei seinem Studium am Konservatorium von Peking stillen konnte.

Zu den größten Bewunderern Tan Duns in Europa gehört der Direktor der Nederlandse Opera Amsterdam, Pierre Audi, der die Oper „Tea: A Mirror of Soul“ nicht nur in Auftrag gegeben hat, sondern sie auch 2002 in Tokyo und ein Jahr später in Amsterdam inszenierte.

Als „Kultfigur der Weltmusik“ bezeichnete das Magazin „Der Spiegel“ den Komponisten, der bereits mit seinen frühen Werken auf den westlichen Konzertpodien rasch bekannt wurde. Die überaus klangsinnliche Konfrontation der europäischen Avantgarde mit der chinesischen Musiktradition ging wie ein frischer Wind durch die elitären Zirkel der Neuen Musik.

Mit Hans van Manen ehrt der Musikpreis der Stadt Duisburg 2004 einen Künstler, der die Tanzgeschichte des 20. Jahrhunderts maßgeblich geprägt hat. Als künstlerischer Leiter des Nederlands Dans Theater und des Holländischen Nationalballetts, aber auch als international gefeierter Gast-Choreograf wirkte van Manen durch seine klassiistische, ganz aus der Musik entwickelte Tanzsprache weithin stilbildend. Besonders mit deutschen Ballett-Compagnien, am häufigsten in Stuttgart, hat van Manen vielbeachtete Projekte realisiert. Sein langjähriger Einsatz für die deutsche Tanzszene wurde 1993 mit dem Deutschen Tanzpreis honoriert.

Auch in Duisburg hat die hohe Kunst Hans van Manen ihre Spuren hinterlassen. 1971 war es Erich Walter, der damalige Direktor des Balletts der Deutschen Oper am Rhein, der Hans van Manen erstmals nach Deutschland holte. Mit seiner Choreografie „Große Fuge“ (Musik: Ludwig van Beethoven) stellte er sich im März 1973 erstmals dem Duisburger Publikum vor. Seitdem kehrt Hans van Manen regelmäßig als Gastchoreograf an den Rhein zurück. Erst im März 2004 waren Choreografien van Manens auch in der Reihe der Duisburger „Konzerte für Junge Leute“ zu erleben: Das Ensemble Introdans aus Arnheim zeigte mit Mix4Kids, wie herrlich locker, humorvoll und zeitgemäß der Altmeister das nachwachsende Ballettpublikum an die Hand zu nehmen versteht. Im Mai 2005 werden seine Ballettschöpfungen „Kammerballett“ und „Sarkasmen“ mit dem Ballett der Deutschen Oper am Rhein in Duisburg zur Premiere kommen.

1957 entstand, ausgestattet mit einem Stipendium der Stadt Amsterdam, van Manens erste Choreografie „Feestgericht“ beim Opera Ballett. Der große Wendepunkt in seiner Karriere folgte zwei Jahre später, 1959, als die holländischen „Ballett-Rebellen“ um Carel Birnie, Rudi van Dantzig und Aart Verstegen in Den Haag das Nederlands Dans Theater (NDT) gründeten. Unter ihnen entwickelte sich das NDT rasch zu einer der führenden modernen Compagnien Europas.

1971 verließ van Manen das NDT, begann als freier Choreograf zu arbeiten und studierte weltweit seine Stücke ein. Auch zum Stuttgarter Ballett entwickelte sich ein enges Verhältnis. 1973 holte Rudi van Dantzig van Manen ans Niederländische Nationalballett. Er fand dort eine neue Heimat und verließ diese 1986 wieder, als Jirí Kylián ihm angeboten hatte, als Hauschoreograf und Regisseur an NDT zurückzukehren.

Neben dem Ballett hat Hans van Manen in der Fotografie ein zweites künstlerisches Standbein gefunden. Seine Proträtaufnahmen hängen mittlerweile in so bedeutenden Museen wie dem Amsterdamer Stedelijk oder dem Pariser Centre Pompidou.

Gerhard Stäbler zählt zu den profiliertesten Komponisten Deutschlands. Er wurde 1949 in Süddeutschland geboren, studierte Komposition (bei Nicolaus A. Huber) und Orgel (bei Gerhard Zacher) in Detmold und Essen. Dem „Cornelius Cardew Memorial Prize“ (1982) folgte eine lange Reihe von Auszeichnungen, Preisen, Kompositionsaufträgen und Stipendien in Amerika, Asien und Europa. Von Anfang an war Stäbler nicht nur als Komponist aktiv, sondern engagierte sich auch politisch und auf organisatorischem Gebiet. So konzipierte er die „Aktive Musik“-Festivals mit Neuer Musik nicht nur im Ruhrgebiet, sondern auch in New York und in Portugal. Er war künstlerischer Leiter der Weltmusiktage ‚95 der „Internationalen Gesellschaft für neue Musik“, des Multimedia-Projekts „Poetic Arcs“ in Duisburg (1997) sowie der Projekte „EarMarks“ und „LandMarks“ 1999 im Ruhrgebiet. Eine dritte wichtige Tätigkeit liegt im pädagogischen Bereich: In Workshops und Seminaren für Komposition und Improvisation arbeitete Gerhard Stäbler bereits mit jungen Musikern aus vielen Ländern. Als „Composer in residence“ und Gastprofessor wirkte er zeitweise u.a. in Nord- und Südamerika sowie im Nahen und im Fernen Osten.

Stäbler durchbricht mit seiner Musik oft den Rahmen des Konventionellen, indem er Elemente in seine Kompositionen mit einbezieht, die von der herkömmlichen Aufführungssituation (und damit von der üblichen Publikumserwartung) abweichen, sei es durch Gesten oder Bewegungen im Raum, sei es durch Licht- und Duftgestaltung oder aktives Einbeziehen des Publikums. Immer kommt es ihm darauf an, die Fantasie anzuregen, Ohren und andere Sinne für neue, unerwartete Wahrnehmungs- und Denkmuster zu sensibilisieren. Daher stammt auch Stäblers Vorliebe für das Ineinandergreifen von Komposition und Improvisation. Gleichwohl ist seine Musik in Ihren Abläufen stets äußerst durchdacht und von ausgefeilten Konstruktionen gekennzeichnet.

Trotz des weltweiten Interessen an seinem Schaffen und der Anregungen, die er häufig aus fremden Kulturen bezieht, ist Stäbler immer wieder ins Ruhrgebiet zurückgekehrt, das ihn zu wichtigen Werken in seinem Oeuvre inspirierte. Inzwischen in Duisburg ansässig, hat Gerhard Stäbler dafür gesorgt, dass die musikalische Avantgarde hier eine eigene Adresse hat: Seit März 2000 bietet die auf seine Initiative hin im Duisburger Innenhagen geschaffene Einrichtung „EarPort“ der zeitgenössischen Musik ein Forum und dient darüber hinaus als Stätte der Begegnung mit anderen Künsten. In der Spielzeit 2001/02 war Stäbler Composer in residence der Deutschen Oper am Rhein. Seine Oper „Madame la Peste“ erlebte am 26. April 2002 in Duisburg ihre Uraufführung. Im Zusammenhang mit der Verleihung des Duisburger Musikpreises findet vom 3. bis zum 9. November ein Workshop an der Duisburger Abteilung der Folkwang-Hochschule statt. In der Saison 2005/2006 ist die Uraufführung eines neuen Werkes mit den Duisburger Philharmonikern vorgesehen.

Frank Peter Zimmermann wurde 1965 in Duisburg geboren und begann im Alter von fünf Jahren mit dem Geigenspiel. In seiner Heimatstadt trat er bereits im Alter von zehn Jahren als Solist in einem Orchesterkonzert auf. Somit konnte er im November 2000 sein 25-jähriges Bühnenjubiläum feiern.

Nachdem er 1983 seine Studien bei Valery Gradow, Saschko Gawriloff und Hermann Krebbers abgeschlossen hatte, gelang der ständige Aufstieg zur Weltelite. Inzwischen konzertierte Frank Peter Zimmermann bei allen wichtigen Festivals und mit allen berühmten Orchestern und Dirigenten in der alten und neuen Welt. Regelmäßig ist der Geiger in den Sinfonie- und Kammerkonzerten seiner Geburtsstadt aufgetreten, wobei er das Duisburger Publikum sowohl mit dem Standardrepertoire als auch mit Raritäten an seiner künstlerischen Entwicklung teilhaben ließ: unter anderem spielte er im Februar 1993 das Violinkonzert von Glasunow und im Oktober 1997 das erste Schostakowitsch-Konzert; im Oktober 1994 gestaltete er in einem Kammerkonzert Solowerke von Bach und Ysaye, und bei seinem letzten Duisburger Auftritt war er im September 2001 mit dem Hindemith-Konzert zu erleben.

Auch in der Saison 2002/2003 ist Zimmermann zu Gast bei internationalen Spitzenorchestern wie dem Cleveland Orchestra unter Franz Welse-Möst, dem Pittsburgh Symphony Orchestra unter Mariss Jansons, dem Philharmonia Orchestra unter Wolfgang Sawallisch und Christoph von Dohnányi, dem Royal Concertgebouw Orkest unter Riccardo Chailly und dem Orchestre de Paris unter Christoph Eschenbach. Als Höhepunkte seiner Auftritte in Deutschland werden die Konzerte mit der Staatskapelle Dresden unter Bernard Haitink, eine Kammermusiktournee mit Heinrich Schiff und Christian Zacharias sowie die Welturaufführung von Matthias Pintschers Violinkonzert mit den Berliner Philharmonikern im Februar 2003 erwartet.

Als Exklusiv-Künstler von EMI-Classics hat Zimmermann alle großen Violinkonzerte von Bach bis Berg auf CD eingespielt. Daneben pflegt er als einen weiteren Schwerpunkt seiner künstlerischen Tätigkeit die Kammermusik. Besonderes Aufsehen erregte die Einspielung der sechs Solo-Sonaten von Eugéne Ysaye, die unter anderem den „Caecilia-Preis“ (Belgien), den „Grand Prix du Disque“ (Frankreich) und den „Preis der Deutschen Schallplattenkritik“ erhielt. Zimmermanns jüngste CD-Einspielung für das Label Teldec gilt einer Neuaufnahme des Violinkonzerts von György Ligeti.

Nach der Verleihung des „Premio del Accademia Musicale Chigiana“ in Siena (1990) und des „Rheinischen Musikpreises“ (September 1994) stellt der Dusiburger Musikpreis eine weitere Auszeichnung für den Künstler dar.

Frank Peter Zimmermann spielt eine Stradivari aus dem Jahr 1711, die einst dem großen Geiger Fritz Kreisler gehörte. Dieses Instrument wird dem Künstler freundlicherweise von der Westdeutschen Landesbank zur Verfügung gestellt.

Christoph gehört zu den wichtigsten Regisseuren der jüngeren Generation. Er studierte Musiktheater-Regie an der Folkwang-Hochschule in seiner Heimatstadt Essen. Anschließend assistierte er unter anderem bei Luc Bondy, Jaroslav Chundela und Göran Järvefelt.

Seit 1990 ist er freischaffend im Musiktheater und Schauspiel tätig. Erste Arbeiten: Mozarts „Zauberflöte“ (1990, Stuttgart) und „Die Entführung aus dem Serail“ (1992, Freiburg). Es folgten Inszenierungen u.a. am Staatstheater Stuttgart mit Gorkis „Kinder der Sonne“ (1993), Racines „Phädra“ (1994) und Marivaux’ „Triumph der Liebe“ (1996, Einladung zum Berliner Theatertreffen 1997) und an den Münchner Kammerspielen (Deutsche Erstaufführung von Patrick Marbers „Hautnah“). Im Bereich des Musiktheaters inszenierte er unter anderem Glucks „Orphée“ (1998) und „La Damnation de Faust“ von Berlioz (2000) in Bremen, Mozarts „Don Giovanni“ (1999) in Graz sowie am Brüsseler Théâtre Royal de la Monnaie Mozarts „Le nozze die Figaro“ (1998) und „Die Entführung aus dem Serail“ (1999).

Christoph Loy ist eng mit der Deutschen Oper am Rhein verbunden und hat hier in den letzten Jahren mit großem Erfolg bei Publikum und Presse Massenets „Manon“, Mozarts „La finta giardiniera“, Donizettis „Lucia di Lammermoor“ und in der letzten Saison Verdis „Don Carlos“ sowie Rossinis „L’italiana in Algeri“ eindrucksvoll in Szene gesetzt. Gerade erst am Freitag hatte Montecerdis „L’Orfeo“ in seiner Regie am Düsseldorfer Haus der Deutschen Oper am Rhein Premiere.